«Кто это наделал» или почему чтобы стать художником необязательно брать в руки кисть

В сознании многих художник - это в первую очередь мастер, который должен уметь качественно своими руками создавать произведения. Так ли это на самом деле и надо ли прикладывать свою кисть, да и вообще кисть, ну да и в принципе надо ли что-то своё куда-то прикладывать, чтобы считаться автором с большой буквы «А»? Давайте разбираться на примерах из мирового искусства.

Как было раньше

Великие художники Ренессанса имели учеников, которым они передавали свои знания ремесла. Нередко, когда мастеру делали заказ на какую-либо картину, то он прописывал главное (тела, лица), а детали поручались подмастерье. Исключением был Микеланджело - художник абсолютно каждую деталь любого своего произведения делал сам. Он не любил подпускать кого-то к своей работе настолько, что его раздражал даже человек, замешивающий ему краски. Выигрывает ли Микеланджело на фоне тех, кто решался сэкономить время, лишь тем что проделывал всю титаническую работу сам (а он, между прочим, всю Сикстинскую капеллу расписал)? Сложно сказать.

А мишки-то не Шишкина

Каждый из художников-передвижников в основном придерживался одного жанра в живописи, мастерство которого он оттачивал до совершенства. Писать «не свой формат» художники не брались, а по надобности звали на помощь других мастеров. Так, на знаменитой картине пейзажиста Ивана Шишкина «Утро в сосновом лесу» медвежата созданы Константином Савицким, а на полотне великого мариниста Ивана Айвазовского «Прощание Пушкина с морем» сам Пушкин вышел из-под кисти портретиста Ильи Репина. Делает ли Шишкина и Айвазовского недостаточно гениальными художниками тот факт, что в воплощении своих идей на полотне не обошлись без помощи друзей? Навряд ли.

Отпечаток тела

В целом, кисть далеко не единственный инструмент, который может использовать художник для создания своих картин. Например, Ив Кляйн писал некоторые свои полотна не абы чем, а телами женщин. Дамы были обмазаны художником в его фирменную синюю краску и отпечатаны на холсте. Причём сие действие происходило на глазах народа - Кляйн ещё был известен в жанре перформанса. Получилось, по крайней мере, очень стильно.

Следующая история - лишнее подтверждение тому, что стиль важнее мастерства. Энди Уорхол, отец поп-арта, помимо всего прочего известен своими картинами с изображением известных людей в своём фирменном стиле. Работы Уорхола были настолько популярны, что его «правая рука» Джерард Маланга решил нажиться на «почерке» знаменитого товарища и создал «Героического партизана» - постер с изображением Че Гевары в духе Энди. Однако афера раскрылась, и мошенник мог попасть за решётку. Делу помог сам Уорхол, который согласился присвоить себе авторство с условием, что прибыль от продаж идёт ему.

"Телефонная картина"

Идею о том, что произведение художника должно обязательно быть исполнено ручным способом и самим автором попытался опровергнуть известный венгерский художник Ласло Мохой-Надь. Он позвонил в фирму, изготовляющую вывески, и заказал серию картин, продиктовав нужные координаты. Каждая из картин получила название «Телефонная картина» и маркировку ЕМ с личным номером, а авторство художник оставил за собой. Так Мохой-Надь хотел показать, что в произведении важна лишь ментальная составляющая, а также качество, но никоим образом не ручное исполнение.

На всём готовом

Но дальше всех пошёл один из ключевых фигур в искусстве ХХ века, создатель реди-мейда (от англ. “ready-made” - готовый) Марсель Дюшан. В 1914 он представил своё произведение - «Сушилка для бутылок», которое являлось, собственно, обычной сушилкой для бутылок, купленной художником в универмаге Парижа. За год до этого, в 1913 Дюшан уже показывал публике свой реди-мейд «Велосипедное колесо», но апогеем стал его «Фонтан» 1917 года, который представлял собой обычный перевёрнутый писсуар. Дюшан отправил его на выставку Общества независимых художников, куда принимались абсолютно все работы, но «Фонтан» все же не был принят: организаторы сочли его непристойным вызовом представлениям об искусстве. После этого инцидента многие сошлись во мнении, что произведение пронизано смыслом. Дюшан бросил вызов убеждению, что искусство должно быть создано художником и заявил, что идеи важнее созидания. Концепция Дюшана послужила основой развития концептуального искусства ХХ века.

Долгое средневековье живописцы пробивали себе путь, чтобы быть на ступень выше обычного звания ремесленника, и гордо величаться художником. То бишь, чтобы помимо их технического мастерства ценилось творческое начало. С расцветом ренессанса им это удалось, в особенности благодаря тому, что таланты как Дюрер и Тициан высоко ценились монархами. Ну вот, добились они своего, а что дальше? Мастерство-то никуда не делось. Кто-нибудь скажет, что Уорхола и подделали так легко, потому что не уровень, например, Да Винчи. Уверены? У Леонардо, как и у многих, были ученики, которые учились писать в манере своего мастера, поэтому авторство некоторых полотен вроде «Спасителя мира» до сих пор вызывает споры искусствоведов, ибо не ясно, принадлежит оно Леонардо или же одному из его учеников. Но гений Да Винчи не столько в его уникальной манере письма (хотя в этом он, безусловно, также преуспел), сколько в его новаторских идеях в области искусства (и не только). Да и техника никуда не делась, многие современные художники с надлежащим образованием могут очень так неплохо подделать того же Рембрандта, что не отличишь.

Ну хорошо, а как быть с Дюшаном? Этот же совсем ни в какие рамки не лезет. Но, во-первых, у искусства нет рамок, и в этом его прелесть. А во-вторых, идея. Ключевое слово темы. У Дюшана была идея, которая породила за собой целое направление в искусстве ХХ, а затем и ХХI века - концептуализм. Искусство в идее, а не в ремесле.

Понравилось это эссе? Будьте в курсе событий с нашей рассылкой!

Комментарии

Вам необходимо войти в свою учетную запись, чтобы оставить комментарий.

Автор